top of page
Yoo Jin
자신에게 거는 진지한 대화
허 나 영
누군가 내 마음을 알아채주면 어떨까?
말하지 않아도 나의 몸짓과 표정을 보고 내 마음을 헤어려준다면 더 없이 좋을 것이다. 이렇듯 우리는 이러한 완전한 소통이 불가능하다는 것을 알면서도 습관적으로 기대를 한다. 수많은 심리학적 연구와 인간에 대한 철학적 논의가 있지만, 여전히 누군가의 사인을 온전히 알아 차리기 힘들다. 마치 조금씩 가려진 이미지가 드러나는 퍼즐게임처럼, 단지 일부만 주어진 단서를 통해 그 기호의 의미를 찾아내야한다. 윤유진의 작품은 바로 이러한 퍼즐게임 같다.
촘촘한 그리드, 그 반복적인 기하학적 형태들의 화면을 가득 채우고 있다. 하지만 그 형태들 사이로 마치 떨어진 타일 조각 뒤의 신비한 그림이 엿보이듯 작가가 숨겨놓은 그림이 있다. 밑에 숨겨진 이 형상들은 이렇게 말을 거는 듯하다. “내 모습을 알아봐주세요. 바로 당신의 마음속에 ‘이미’ 있는 ‘그것’이랍니다.”라고 말이다. 그렇다면 윤유진은 무엇을 숨겨둔 것일까.
일상의 경험, 그 평범하지만 평범하지 않은 것
윤유진의 화폭 속 이미지는 작가가 몇 해 전 머물렀던 영국과 프랑스 등지의 풍경이다. 하지만 특정한 한 곳이 아니라 작가에게 시각적인 자극을 주었던 풍경들의 결합체이다. 템즈 강변의 건물과 에펠탑의 조합이랄까. 여행지에서 찍은 사진들을 바탕으로 만들어진 이 형상들은 언뜻 우리가 직접 가보지는 않았더라도 어디선가 봤을 법한 이미지이기도 하다. 다시 말해 우리가 이미 아는 그 풍경 이미지이다. 하지만 동시에 작가만의 이미지이기도 하다.
여행을 하면서 찍은 사진들, 그리고 그 사진을 컴퓨터 화면에서 다시 조합하면서 작가는 자신의 기억들을 끄집어낸다. “지나간 기억을 떠올리는 순간, 과거는 더 이상 그 순간이 아닌 현재에서 재해석되어진 새로운 기억이 된다.”라는 작가의 말처럼 작품 속에서 “기억은 사실이 아닌 ‘해석’”이 되는 것이다. 일상에서 언뜻 마주치게 되는 데자뷰를 겪을 때, 언뜻 과거의 기억인 듯 하지만 그 기시감은 오히려 현재에 새로운 의미를 갖게 된다. 이와 같이 윤유진의 기억은 화폭 속 이미지를 통하여 작가가 겪었던 그 시간을 현재에 해석되어 되살아나게 한다. 그리고 그 모습을 팝아트적인 단순하면서도 선명한 색으로 변주된 형상으로 나타낸다.
아서 단토(Arthur Danto)가 <브릴로 박스>에 인쇄된 일상적 이미지에 의미를 두었듯, 팝아트의 상징적인방식으로 윤유진은 기억 속 풍경을 재현(re-present)한다. 이러한 팝아트적인 형태는 작가가 학생시절부터 즐겨 쓰던 방식이다. 가장 잘 다룰 수 있는 방식이기도 했지만, 화면을 꽉 채우고자 하는 개인적인 욕구에 팝아트적인 묘사방식은 잘 부합했다. 워홀이 판화로 동일이미지를 찍어내듯, 윤유진은 같은 형태의 컵, 글자 등을 화면 가득 채웠다. 이러한 작화방식은 이번 전시의 작품에서도 이뤄진다. 단지 이번에는 형상이 반복되지 않는다. 다만 화면의 바탕을 이루는 풍경이 매력적인 팝아트적 방식으로 우리에게 제시되어 있다.
촘촘한 그리드, 비밀의 열쇠
이렇게 공들인 풍경이 화면 아래에 깔려있다. 마치 우리 인간이 무의식처럼 말이다. 작가가 무심이 지나쳐버리는 일상이 무의식처럼 드러나는 것을 표현한다고 하듯, 화폭에 침잠해 있는 무의식의 이미지는 화면을 덮은 기하학 형태 사이로 언뜻언뜻 드러날 뿐이다. 합리적인 이성으로 설명되는 의식과 아직 분절되지 않는 무엇인 무의식 사이의 경쟁은 작가의 말처럼 “상상과 추상이 공존”하는 공간이다. 수평 수직의 그리드, 그리고 그리드를 이루는 삼각형이라는 추상적 형태가 사회적 기준이나 개인적인 잣대로 모든 거을 판단해버리는 의식적인 세상이라면, 그 밑에서 그리드의 색에 영향을 주거나 빈 공간 사이로 빼꼼이 얼굴을 내미는 형상은 그 기저에 깔린 인간의 무의식을 보여주는 듯하다. 바로 여러 기억이 중첩되고 해석된 그 무의식 말이다.
여기서 화면은 전반적으로 가득 채우는 그리드를 더 살펴보자. 사실 이 그림을 마주했을 때 우리의 시야를 지배하는 것은 촘촘한 기하 형태들이다. 실상 작가는 이 기하 형태들 밑에 기억의 형상을 그려두었다. 하지만 공들여 형태를 만들어 그린 그 형상을 다시 기하 그리드로 덮어버린 것이다. 다만 그 그리드의 색이 밑의 형상에 영향을 받아 달라지며, 결과적으로 우리는 기하도형으로 분절된 풍경을 보게 된다. 어쩌면 무의식을 합리적 이성으로 재단했을 때 벌어지는 현상과 같을 지도 모른다. 하지만 프로이드(S. Freud)가 의식으로 억눌러진 무의식을 몇 가지 실마리로 추적해 들어가듯, 작가가 숨겨놓은 단서가 되는 몇 가지 형태를 쫓아 숨겨진 풍경의 정체를 알 수 있을 지도 모른다. 적어도 작가는 이를 의도 했다. 그리고 작가 자신이 숨겨둔 단서를 관객들도 찾기를 바란다. 그것이 바로 소통의 실마리 일 수 있으니…
유화의 물성, 회화의 정체성
작가의 기억을 담은 형상을 숨긴 기하 형태들은 매우 차갑게 느껴질지 모른다. 자로 잰 듯 바르게 화면을 가르고 있기 때문이다. 하지만 자세히 들여다본다면, 그 형태 하나하나에서 수공의 손맛을 느낄 수 있다. 작가는 두꺼운 유화물감을 얹고 그 위에 삼각형의 시트지를 하나하나 붙인다. 그리고 어느 정도 유화물감이 말랐을 때 그 시트지를 뜯어낸다. 만약 작가가 차가운 화면을 만들고자 했다면 시트지의 흔적을 남기지 않았을 것이다. 하지만 작가는 의도적으로 시트지가 뜯어지면서 생기는 물감의 균열과 마띠에르를 남겨둔다. 기하 형태가 화면 밑바닥 형태들을 해체시켰다면, 그 기하 형태를 수공적 기법으로 다시 한 번 파열시키는 것이다. 이 과정은 두 가지 역할을 한다. 첫째는 기하학적 형태 하나하나가 엄밀한 의미에서 같은 것이 아님을 실제로 보여주는 것이고, 두 번째는 바로 유화의 물성을 통한 회화의 정체성을 드러내는 것이다.
동일한 색을 가진 기하 형태들이 이루는 촘촘한 그리드 때문에, 윤유진이 작품이 일견 단색화와 같은 추상화로 느껴지기도 한다. 하지만 작가는 말한다. 자신은 소통을 원한다고 말이다. 그리고 혼란스러운 자신의 무의식을 차분한 색의 형태들로 덮어 정리를 하고 싶었을 뿐이라고 말이다. 우리가 흔히 엉뚱한 상상을 하는 자신을 숨기고, 평범한 듯 혹은 바른 모습으로 사람들과 마주대하고 싶듯이 말이다. 그럼에도 우리는 누군가가 내개 숨겨둔 내 마음을 알아주길 바라기도 하지만 말이다.
그림이 하나의 텍스트가 되고, 기호가 되어 관람객과 그림을 통해 소통하고 싶다고 작가는 말한다. 하지만 결국은 자신과의 대화를 하고 있는 것은 아닐까. 그림을 통해 작가 스스로가 자신에게 거는 대화일 것이고, 다른 한편으로는 작품이 관객 역시 형상과 추상적인 기하형태로 성찰을 지점을 마련해주고 있다. 그 치열한 반복적인 작업과정을 통해서 말이다. 그 노력과 직관이 있기에, 앞으로의 5년, 10년이 더 기대가 된다.
Sincere Conversation to Oneself
Hur Na-young
How will it feel when my mind is noticed by others?
If someone understands my mind just by seeing my gestures and expressions without saying anything, there can be nothing better than that. We know that this kind of perfect communication is impossible, but we always have expectations by habit. There were numerous psychological studies and philosophical discussions on humanity, but it is still difficult to notice the signs of others completely. Like a puzzle game that slowly shows the hidden image, the meaning of the symbol must be found through the clues that are given partially. The work of the artist, Yoon Yoo-jin is like a puzzle game.
The canvas is filled with fine grids and repetitive geometric shapes. But there is an image hidden by the artist, as if a mysterious image is revealed behind tile pieces fallen behind the shapes. The hidden shapes seem to say, “Look at me, it is ‘that’, which is ‘already’ inside your heart.” What did Artist Yoon Yoo-jin hide behind the painting?
Everyday Experience that is Ordinary, but also Extraordinary
The image inside the canvas of Artist Yoon Yoo-jin is the landscape of England and France that the artist stayed few years ago. However, it is not one specific place, but a combination of landscapes that gave visual stimulation to the artist. It is like the combination of buildings on the riverside of Thames River and Eiffel Tower. These images created based on the pictures taken during her travel are images that we normally saw somewhere, even if we didn’t go there personally. In other words, they are landscape images that we already know, but at the same time, they are the unique images of the artist.
By combining the images taken during the artist’s travel in the computer screen, the artist recollects of her memories. Like the artist’s words of “the moment we recollect our past memories, the past is no more a past, and becomes a new memory reinterpreted in the present.” Therefore, “memory is not a fact, but an ‘interpretation’” inside the work of the artist. When we experience a deja vu encountered in our everyday lives, it may seem like the memories of the past, but the deja vu rather has a new meaning in the present. Thus, the memories of the Artist Yoon Yoo-jin are reinterpreted in the present to be revived through the images inside the canvas, and the image is shown in simple and distinct colors like a pop-art of various shapes.
As Arthur Danto put meaning in the ordinary image printed in the <Brillo Box>, Artist Yoon Yoo-jin represented the landscape in her memory through the symbolic method of pop-art. This pop-art form is a method that the artist frequently used from her school days. It is not only a method that the artist can describe the best, but also, the artist appropriately combined the pop-art descriptive method to her personal desire to fill the canvas. Like Andy Warhol printing a same image in the engraving, Artist Yoon Yoo-jin filled the canvas with same shapes of cups and letters. This painting method is also applied in her works of this exhibition. However, the shapes are not repeated this time, and the landscape in the background of the canvas is presented to us in an attractive pop-art method.
Fine Grid, Key to the Secret
This elaborate work of the landscape is hidden under the canvas, like our unconsciousness As if the artist is expressing that our ordinary life that we overlook inattentively is shown in our unconsciousness, the image of the unconsciousness that is hidden in the canvas is shown slightly between the geometric shapes that cover the canvas. The the competition between the consciousness described as logical rationality and unconsciousness that is still not fragmented is in the space that the artist refer to as ‘coexisting with imagination and abstraction’. If the abstract form making a horizontal and vertical grid ad triangle forming a grid is the conscious world of judging the everything through social or personal standard, the form that is shown slightly between the empty space or having influence to the color of the grid shows the unconsciousness of humanity. It is the unconsciousness that is overlapped and interpreted with various memories.
Let’s look at the grids that fill the overall canvas. When this painting is first encountered, find geometric shapes dominate our vision. The fact is that the artist painted a form of memory behind these geometric shapes, but these elaborate forms of memory are covered with geometric grids. However, the color of these grids are changed from the influence of the forms underneath, and eventually, we see the landscape that is fragmented with geometric figures. Maybe this is the phenomenon that is occurred when our unconsciousness is judged by our logical rationality. But as S. Freud traces the unconsciousness suppressed in our consciousness through several clues, the clues hidden by the artist seeks several forms to find the identity of the hidden landscape. This is at least intended by the artist, and the spectators must find these hidden clues of the artist. This may be the clue to communication...
Property of the Oil Painting, and Identity of the Painting
The geometric figures hiding the forms of the artist’s memory may feel very cold, because they are crossing the canvas as if measured exactly in size and shape. But when we look closely, each form can be felt with handicraft of the artist. The artist applies thick oil paints on the canvas to paste the triangular sheets one by one, and when the oil paints are hardened, the sheets are removed. If the artist intended to create a cold canvas image, there must be no traces of the sheets left on the canvas. But the artist intensionally left the cracks and matiere of the paints that are left while removing the sheets. While the geometric forms broke the forms beneath the canvas, the geometric forms were broken again through the handicraft technique. This plays two roles, and the first role is showing that each geometric form is not the same in strict sense. The second role is that the identity of the painting is shown through the property of the oil painting.
The property of the oil painting is another characteristic that defines the painting along with planar characteristics. The artist mixed less oil to emphasize the unique stickiness of the oil paints, and it was even absorbed with newspaper to be removed. These oil paints create thick plane on the canvas like a handicraft, and the surface is transformed by the sheets that are removed. The repetitive work of the artist on applying the oil paints to the canvas to remove the sheets after the paints are hardened is like a handicraft master. In addition, the process of painting the form of memory underneath to apply thick oil paints on top, and trimming each one of the forms again is a overlap of several layers, and a work of efforts on each layer.
How about feeling that intensity? This repetitive work of the artist is like a ‘habit and memory in our ordinary life’. It is in the same context with the form of memory painted underneath, and the geometric forms covered on top.
Due to the find grids that form geometric shapes with the same color, the work of Artist Yoon Yoo-jin may feel like an abstract painting of a monochrome. However, the message of the artist is that she wants to communicate. Also, the artist just wants to over her confused unconsciousness with calm color. This is like hiding our extraordinary imaginations and encountering others in a ordinary or proper image. Nevertheless, we have a desire in our heart for someone to know my true feelings that are hidden inside.
The artist says that she wants the painting to become a text and a symbol to communicate with the spectators through the painting. However, it may be having a conversation with oneself after all. The artist will be having a conversation with herself through the painting, and on the other hand, the spectators will be having a conversation with themselves through the painting. In other words, the message is self-reflection, and Artist Yoon Yoo-jin is proving a chance for self-introspection through the pop-art and abstract geometric forms. It is possible through the intensive process of repetitive work, and because of these efforts and insight, 5 years and 10 years of the artist is more anticipated.
bottom of page